引言
大家好，我是 Nadya Pal，一名专注于写实道具（realistic Props）的 3D 艺术家。
项目与目标
在这篇简短的文章里，我会带你走一遍军用无线电台的制作流程——这是我的个人项目，我在其中同时锻炼了好几项技能：从建模到最终渲染。
说实话，选电台这个题材有点冒险——ArtStation 上已经有相当多类似的模型了。但我还是想做出属于自己的版本。
主要目标是做一个细节丰富、看起来令人信服的资产，带有恰到好处的磨损痕迹，以及一种历史感。
工具
这个项目我使用了 Blender、RizomUV、Marmoset Toolbag 4、Substance 3D Painter、Unreal Engine 5、Adobe Illustrator 和 Adobe Photoshop。
参考
我首先从厂商官网开始寻找这台电台的真实照片。
很幸运，我找到了正面、顶部和 ¾ 视角的蓝图，还有整体尺寸：高、宽、深。
可惜我没能找到这台型号带磨损的真实照片。最后我只有官网的几张图，以及从视频里截取的一些缺失部位的截图，用来更仔细地研究细节。
遗憾的是一直没有背面视角，所以我只能拼凑出它应有的样子。因此，我的模型背面可能与实物略有出入。
我也没有清晰的细节图，所以花了相当多时间去找紧固件和连接器。这种时候往往能学到很多！
通常我会把参考板分成两部分，每一部分再细分为若干类别。我喜欢有结构、有秩序。
第一部分包含模型的技术信息、我要建模物体的照片，以及该型号或其配件的变体。
第二部分聚焦于磨损与损伤、灰尘污垢，以及同材质物体上的视觉重点。
把参考按组和类别整理好非常重要，它能大幅简化工作流，让你专注在细节上。
随着工作的推进，我意识到我的参考板其实挺紧凑的，到了贴图阶段，某些区域缺几张图。
下次我会在准备阶段更细致一些；这样最终能节省时间，让贴图过程顺畅得多。
白模（Blockout）
我从基于现有蓝图处理比例开始做白模。
这个阶段我用修改器和布尔运算来构建几何体，这样能灵活控制形状，需要调整造型时也容易改。
制作线缆的时候，我在第二台显示器上打开了第二个视口，显示模型的剪影，帮助我把握整体形状、保持清晰的轮廓。
我很喜欢用曲线工作，把线缆塑造成流畅的线条成了这个阶段我最喜欢的部分。
白模阶段我会尽量避免应用修改器或把曲线转成网格。
但如果确实需要做这类改动，我一定会先创建备份，确保必要时能回到早期阶段。
高模（Highpoly）
这个阶段我对模型做了一些调整和小的修改，开始使用布尔运算，然后清理网格。
我没有纠结于清除每一个 n-gon 或三角面；只要它们在平面上、不影响着色，我就保留原样。
我不想陷入严格的全四边形工作流，尤其因为在这个案例里它对最终结果没什么实际影响。
我特别注意了那根盘绕的电话线。
白模阶段它很简单，但高模阶段我想让它更有意思：带着那种经常使用后略微拉伸的线圈。
这看似是个小细节，但后来我经常注意到它，而且对最终效果非常满意。
我还重新处理了电线，把轮廓打磨到最终版本。
高模阶段:着重刻画因频繁使用而略微拉伸变形的卷曲电话线。
低模（Lowpoly）
从一开始我就计划基于高模来制作低模。
这对我来说是最方便、最直观的方式：只需要移除支撑边，稍微清理一下网格。
我没有追求严格的优化，所以没有在面数上抠门，在觉得合适的地方保留了细节。
做低模时，我通常会马上设置硬边、标记 UV 接缝，并同步开始展开 UV。
这个习惯从我 3D 生涯早期就养成了；对复杂元素，我经常要做一次快速烘焙测试，看看细节效果，再做调整，然后才打包 UV。
这个方法帮我节省了时间，避免了低模反复修改的来回折腾。
UV:使用 RizomUV,纹理密度 4500 px/m,分 4096+2048 两套 UV。
UV
展开和打包 UV 我用了 RizomUV。纹理密度设为 4500 px/m，所以我把模型分成两套 UV：主体部分 4096，电线和电话部分 2048。
为了达到理想的密度并简化贴图，我使用了几处重叠。
对不可见的区域，我缩小了 UV 岛，把省出来的 texel 重新分配给更重要的可见部分。
主材质:以机身漆面为例,从全新状态逐步叠加磨损、灰尘与历史痕迹。
烘焙
烘焙我用了 Marmoset Toolbag 4，通常烘焙法线、曲率和 AO 贴图。
一个重要准备步骤是：在 Blender 里给所有物体加上 _low 和 _high 后缀。
这样就能使用 Marmoset 的 Quick Loader：所有烘焙组自动创建，省去手动分类的时间。
这不仅加快了首次导入，也让重新烘焙快得多，因为所有改动都可以通过快速加载轻松更新。
贴图制作
与其贴一堆项目设置的截图，我更愿意分享一个 Sergei Panin 的实用视频链接，他详细讲解了设置方法以及如何保存预设，方便以后复用。
贴图是花了我最多时间的阶段。我总是先给整个模型设置基础颜色，然后逐步细化每种材质。
非常重要的是不要忽视物体的基础状态：它全新、干净时的样子。
哪怕是一件从未用过的物品，也已经包含色彩变化、轻微的粗糙度起伏和几乎看不见的划痕，所有这些都让物体看起来真实。
这篇文章里，我会用主材质——电台机身漆面——来展示贴图过程。
这是最大也最有意思的材质，也是解释我对模型其他部分通用思路的最简单例子。
重要的是让贴图按照现实中形成的方式来制作：物体先是全新的，然后逐渐磨损、老化，拥有自己的历史。
在阳光下，漆面会褪色；某些区域变暗，另一些则变亮。
边角、棱线、凸起可能在运输或与其他物体接触时受损，漆面也会在使用中被刮花。
历史可以是任何样子的，完全取决于任务和艺术语境。
没必要让物体堆满磨损和污垢；更重要的是在表现力与克制之间找到平衡。如果模型磨损过度，就会失去可读性（readability），看起来”噪点”很多。
有时候很难看出这条线在哪里；眼睛很快会习惯干净的模型，任何新的对比色块都可能显得太亮或太暗。
这种时候，来自他人的新鲜视角和经验更丰富的艺术家的支持尤其重要。
我很幸运在这个项目里有 Sergei Panin 在身边，他对我的成长贡献很大，我对他感激不尽。
我把任何材质的制作分成三个部分：
- 基底（Base）——一切开始的基础（颜色、粗糙度、轻微的光照变化）。
- 损伤（Damage）——缺口、凹痕、划痕、脱落漆皮，以及其他物理磨损的痕迹。
- 污垢与灰尘（Dirt and dust）——灰尘、烟灰、指纹、滴落、条纹、小污渍、残留物。
为了增强真实感并添加历史，我积极使用基于照片的 alpha 作为模板。
这让我能快速添加有机细节，就像它们真的在物体使用过程中出现一样。
我觉得值得一提一个重要的技术细节：「Export mask to file」（导出蒙版到文件）功能。
我经常用它来简化项目；在我的笔记本上，大量带有复杂蒙版的图层会显著拖慢性能。
所有贴纸和标签都是用 Adobe Illustrator 制作的。如我所说，我喜欢用曲线工作。
在转向 3D 之前，我做过很多矢量插画，只要有机会，我总是乐意把这些技能用起来。
渲染
最终渲染我用了 Unreal Engine 5。为了展示模型，我选了 Megascans 里的一张桌子，并在 Photoshop 里改了它的底色，让它不那么抢眼，作为模型的中性背景。
我特别注意灯光，让它突出所有细节：污垢、磨损和使用痕迹。
我通常先使用 Lighting Only 模式，专注于不受干扰的灯光。这样能更精确地控制光在场景中的分布。
主光设置好后，我会切换到 Lit 或 Path Tracing 模式（取决于计划用的渲染方式；这个项目我用了 Path Tracing），在真实渲染条件下微调灯光。
要注意的是，渲染模式下贴图会开始吸收光线，这可能让场景比 Lighting Only 模式更暗——后者模型显示为白色，灯光更容易调节。
我经常使用聚光灯（Spot Light）照亮模型的特定区域，把光线精确引导到需要的地方。
但记住，默认情况下这种光源的半径为零，会产生非常生硬的阴影。
所以必须记住这一点；调整半径能让阴影更柔和、更自然。
后期处理
后期我使用 Photoshop 里万能的 Camera Raw 滤镜，它可以调整对比度、色温以及许多其他参数。
未来我打算稍微改变一下方法，让后期更有电影感，增加更多氛围和情绪。
结语
虽然我还处于职业生涯的开端，但有几件事我觉得特别重要，也许对你也同样有用：
- 实践和持续学习是任何领域成长的关键，3D 艺术尤其如此。你练习和学得越多，对流程的经验和理解就增长得越快。
- 向更有经验的 3D 艺术家寻求建议和反馈也非常重要，他们能给出宝贵意见，帮你避免那些不容易察觉的错误。当你长时间制作一个模型时，很容易失去客观性，而他人的新鲜视角可能真的能救命。
希望这篇文章对你有帮助，也让你学到了点新东西。
我想感谢项目期间所有支持过我的人，以及所有在模型下留下好评的人，这出乎意料但又无比令人愉快。
每个项目都是学习新东西的机会，重要的是不要止步于已取得的成就。
相信自己的力量，创造美好的事物，追求卓越；也许你的下一步会更精彩。
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